nocturnia Z

Contos # 3 - Não Identificado

2010-02-09T17:39:00.001-08:00

Não podia entendê-lo. Não mais. Suas armas. Suas guerras. Seu discurso balbuciando alguma salvação. Mas meu entendimento veio em frações homeopáticas. Não me lembro ao certo, mas a primeira vez que fui sequestrado tinha quase oito anos. Desapareci por quatro dias. Apanhei outros três. Fui levado novamente cinco anos depois. Meus pais me encontraram desmaiado no quintal. Nu. Pílulas coloridas prometeram colocar nos eixos o meu estado mental. E acabar com os pesadelos. Em vão, acabei internado num quarto de paredes branquíssimas que queimavam os olhos. Os pesadelos aumentaram. Figuras disformes me rodeavam. Pupílas gigantescas me vigiavam. Sempre. Pequenas feridas se espalhavam por meu corpo. Segundo o médico, feitas por mim. Permaneci intermináveis meses trancafiado até ser outra vez levado. Fui devolvido 48 dias depois 300 quilômetros distantes.

Voltei diferente. Parecia curado, ainda que me sentisse estranho entre meus semelhantes. Não havia mais pesadelos. Nem feridas. Nem dor. Nem medo. Um emprego respeitável. Uma casa para o cachorro. Um diploma em biologia. E uma inexplicável atração pelas estrelas.

A calmaria foi substituída pela inquietação. Sabia que seria sequestrado de novo. Sabia também que seria diferente desta vez. Às noites aguardava olhando para o céu. Imponente. Infininito em sua negritude. Esperava ser levado pela última vez.

Consciência. Descobri num quarto frio e metálico que não seria meu último encontro. Meu sangue era drenado. Minha saliva sugada. Meu cérebro violado. Difícil crer que não havia dor. Ainda que cada centímetro do meu corpo estivesse perfurado por minúsculas agulhas, que coloridas brilhavam e iluminavam uma escuridão opaca.

Eles falavam sem mover os lábios palavras que não eram palavras. “Você está pronto para compreender o destino que lhe será revelado.” Tentei falar, mas minha boca estava paralisada. Assim como o resto do meu corpo, que flutuava imóvel entre aparelhos que me eram familiares sem nunca tê-los vistos.

“Não nos tema, pois estará temoroso de si mesmo. Estamos aqui para evitar o que parece inevitável: a falência e a degradação de um paraíso que aos humanos foi cedido há milhões de anos. São muitos iguais a nós, espalhados pelo terceiro corpo, se multiplicando, em idéias e em esperança”.

Aceitei quem era então. Diferente de ti embora semelhante. Compreendi então por que não podia entendê-lo. Suas armas. Suas guerras. Sua dor auto-inflingida. A destruição do seu lar. Entendi meu destino: mudá-lo.

MMs # 03 - "Garotos Perdidos"

2009-12-08T13:43:00.000-08:00

O que vampiros, praia, sol, punks, góticos, hippies e jovens desaparecidas têm em comum?? "Garotos Perdidos", que junta tudo isso num mesmo caldeirão, representa um dos Melhores Momentos da divertida década de 80...

MMs # 02 - "Pelo Amor e Pela Morte"

2009-06-03T18:50:00.000-07:00

Um clássico italiano, muito comentado, mas pouco assistido (talvez por ainda ser inédito em DVD por aqui). Um dos grandes méritos de "Pelo Amor e Pela Morte" é a atmosfera onírica, beirando a poesia (destoando em muito da grande maioria dos filmes do subgênero zumbis) e a participação do ótimo Rupert Everett. Dirigido por Micheli Soavi, inspirado numa obra do criador de Dylan Dog, Tiziano Sclavi.

A sequência abaixo é o final do filme (por isso quem ainda não viu, se contenha):

Música # 01 - Nick Cave a as Sementes Más (Parte 1)

2009-03-31T20:23:00.000-07:00

(Este post foi publicado inicialmente no blog Gramofone Virtual)

Nick Cave nasceu Nicholas Edward Cave numa pequena cidade da Austrália em 22 de Setembro de 1957. What? Você não sabe quem é Nick Cave? A voz mais gutural do rock mundial?

Então vamos a uma rápida apresentação e de imediato uma correção: Cave e sua banda, The Bad Seeds, tiveram a carreira vulgarmente (e equivocadamente) associada pelos críticos de plantão ao rock'n roll gótico dos idos anos 80. No entanto, apesar das canções que falam de amor, morte, crimes e melancolia, a faceta lúgubre do compositor australiano esconde um verdadeiro gênio musical, muito comentado, mas pouco ouvido e entendido em terras tupiniquins.

No cinema, além de compor trilhas sonoras, Cave atuou no faroeste “O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford” (2007) e escreveu o roteiro original do imperdível “A Proposta” (2005).

Com mais de quinze discos lançados, uma dica para os novos adeptos ao som de Nick Cave é a coletânea The Best of Nick Cave & The Bad Seeds, lançada em 1999. Quem garimpar em lojas especializadas e estiver com um pouco de sorte pode conseguir a primeira edição, um álbum duplo que traz como bônus uma apresentação ao vivo chamada Live At The Royal Albert Hall, gravada em 1997. Vale ressaltar ainda que a distribuidora nacional Paradoxx Music lançou toda a discografia de Nick e The Bad Seeds no Brasil.

Voltemos à biografia. Nick Cave nasceu Nicholas Edward Cave numa pequena cidadade da Austrália em 22 de Setembro de 1957. Cave conheceu, ainda na adolescência, o multinstrumentista Mick Harvey. Amigos de escola, rapidamente formaram uma banda, o The Boys Next Door (cujo som foi influenciado por uma banda australiana chamada The Saints). Em 1978, o baixista Tracy Pew e o baterista Philip Cavert juntam-se ao grupo, que lança o single These Boots Are Made For Walking, inspirados pela canção de mesmo nome interpretada por Nancy Sinatra (essa mesmo, filha do Frank Sinatra. O quê?? Não sabia que a filha do ator/cantor americano seguiu os passos do pai?? Talvez você se lembre da balada-western Bang Bang, parte da trilha do filme “Kill Bill”, do Tarantino). A rotina de Nick em início de carreira era semelhante aos primeiros anos de qualquer banda de rock, pequenos shows em bares e casas noturnas, pouca grana e muita dificuldade. Mas os rapazes insistiram e lançaram ainda em solo australiano um álbum chamado Door Door e um EP, o He-Haw. No entanto, apesar de todo o esforço, o cenário musical local oferecia poucas oportunidades. Nesse momento (meados de 1980), Nick chamou os amigos, pegou um avião e fugiu para Londres. The Boys Next Door virou The Birthday Party e imediatamente lançaram um álbum cujo título era o novo nome da banda. Nem preciso falar que hoje em dia este disco é uma raridade e objeto de colecionador estimado em alguns milhares de dólares.

Mas as dificuldades ainda persistiam e as primeiras apresentações do The Birthday Party na Terra da Rainha causavam certo estranhamento no público local. O cenário, dominado pelo pós-punk, parecia não estar preparado para a ruptura proposta por Cave, que já apresentava os traços característicos que marcariam o Bad Seeds, como o instrumental cru, as apresentações caóticas e o vocal imponente e inigualável. Em 81, a banda assina com o então desconhecido selo 4AD (que futuramente revelaria bandas do naipe do The Pixies). O The Birthday Party lançaria dois discos pela gravadora: Prayers on Fire (1981) e Junkyard (1982). Ainda neste ano, eles saem em turnê pela Alemanha com a banda industrial Einstüzende Neubauten, do guitarrista Blixa Bargeld. Este é um momento de grande importância para o que viria a ser o Bad Seeds, já que Cave acaba grande amigo de Blixa, futuro guitarrista das Sementes Más. Mais uma mudança. Ainda em 82, Nick e sua banda se transferem para Berlim, motivado pela boa recepção da turnê e aproveitando para fugir da polícia londrina que estava de olho nos deslizes da banda envolvendo alguns excessos com o álcool e as drogas. Gravam em solo alemão os EPs The Bad Seed e Munity!, mas no final de 1983 acabam se separando.

Cave volta para a Austrália, onde desaparece e desiste da carreira musical por uns tempos. Mas em 1984, Harvey convence o amigo a formar uma nova banda, chamada de The Bad Seeds (o nome foi tirado de um filme homônimo de 1956). O The Bad Seeds é formado, por Blixa Bargeld na guitarra, Barry Adamson (multinstrumentista), Anita Lane (uma poetisa!), Hugo Pace (guitarrista) e Nick Cave no vocal.

Cave ainda escreve, neste mesmo ano de 1984, o roteiro e a trilha para o filme “Ghosts... Of The Civil Dead”, dirigido por Evan English e John Hillcoat, lançado apenas em 1988. As Sementes Más lançam o seu primeiro disco, From Her to Eternity, ainda em 1984. A faixa-título é uma das canções que se destacam, além do cover de Elvis Presley, In The Ghetto. O disco é definido pela crítica como opressivo, obsessivo e sufocante. As letras passeiam por ambientes sórdidos e sombrios. O álbum apresenta bons momentos, como a claustrofóbica Cabin Fever, a épica Saint Huck e a inusitada (e bizarra) recriação de Avalanche, de Leonard Cohen. From Her to Eternity seria regravada em 1987 para o filme "Asas do Desejo", de Wim Wenders.

Ok. Muitas palavras e pouca música. Escutem abaixo duas interpretações de Nick Cave. Primeiro uma performance rara da banda The Boys Next Door, com Shivers e em seguida o clipe do maior hit do compositor: Do You Love me? (prestem atenção no início do clipe)

MMs # 01 - "Cova Rosa"

2009-03-29T08:52:00.000-07:00

Este primeiro post desta nova seção (Melhores Momentos) é uma homenagem ao inglês Danny Boyle pelo conjunto da obra. Tudo bem que o cineasta já ganhou uma "sacola" de estatuetas em 2009 pelo drama "Quem Quer Ser um Milionário?", mas um prêmio inédito para o rapaz era uma homenagem do Nocturnia-z. Brincadeiras a parte, Danny construiu uma filmografia respeitável ao longo de uma carreira razoavelmente curta. Destaques para o terror "Extermínio", a ficção científica "Sunshine - Alerta Solar".

O vídeo abaixo é a sequência final de "Cova Rasa", a estréia de Boyle nos cinemas (filme que tive o prazer de ver na tela grande em 1994, o ano que vim morar aqui em São Paulo). Boyle estreou em grande estilo, com um suspense tarantinesco cheio de reviravoltas. Seu primeiro longa já trazia uma de suas marcas registradas: a trilha sonara caprichada e a edição moderna com cortes e planos ousados. Pra quem não assistiu o filme, não preciso avisar que "a sequência final" contém SPOILERS, ok?

Resenhas # 19 - "O Juízo Final"

2008-07-22T13:51:00.000-07:00

Aqui, na cozinha do Nocturnia-Z, já lhes demos a receita de como fazer um filme ruim, muito ruim (leiam “O Portão do Cemitério”). Hoje vamos trabalhar numa receita diferente e bem mais interessante: como fazer um filme divertido.

Primeiro pegamos o maior número de idéias de filmes que são cultuados, amados e idolatrados e misturamos tudo, sem medo de ser feliz. No caso, nosso grande amigo cozinheiro Neil Marshall misturou nada menos que “Fuga de Nova York”, “Mad Max”, “Extermínio”, “Rei Arthur” e um pouco de “Resident Evil”. Com a salada já pronta acrescentamos o ingrediente principal da trama: uma protagonista bem apetitosa e invencível. Recheamos tudo com doses de violência e pitadas de conspiração governamental. Cobrimos com uma trilha sonora rock and roll e fechamos o filme com uma fuga alucinante naquele carrão que todo marmanjo sonha, mas nunca vai dirigir.

Obviamente não estamos falando da maior obra-prima do cinema inglês, mas sim de uma produção descompromissada, com bons efeitos digitais, ótima maquiagem e ainda grandes cenas de ação. “O Juízo Final” é o terceiro trabalho do cineasta Neil Marshall (“Cães de Caça” e “Abismo do Medo”) e comprova seu talento na direção. O roteiro, escrito pelo diretor, começa mostrando a Escócia sendo assolada por um vírus chamado Reaper. Os infectados sucumbem em enormes feridas e apodrecem em carne viva. Rapidamente o governo britânico isola a colônia escocesa com enormes muros, deixando todos morrer por lá, infectados ou não. Passam-se três décadas e o vírus Reaper volta a se manifestar, agora em plena capital inglesa. Os governantes então planejam inundar Londres, contendo assim a infecção. Entretanto fotos de um satélite mostram sobreviventes dentro do território escocês, mesmo depois de anos de isolamento. Teriam eles encontrado a cura para o vírus fatal? É aí que entra a agente Sinclair, uma bela morena “de um olho só”. O outro é uma prótese e ao mesmo tempo uma espécie de micro-câmera espiã. O olho-que-tudo-vê transmite imagens para um monitor-de-pulso usado pela garota. Uma evolução do personagem Snake Plissken, criado por John Carpenter em “Fuga de Nova York”, a grande inspiração de Marshall na concepção do roteiro. A agente Sinclair lidera uma equipe militar que deve se infiltrar na antiga Escócia e “fugir” com a cura para a Inglaterra, evitando assim a morte de milhares de pessoas na capital (que morreriam pelo vírus ou afogadas). Bom, o maior problema para a bela caolha não são exatamente os escoceses infectados, mas sim os sobreviventes. A antiga escócia acaba virando uma terra sem-lei, povoada por punks malucos fugidos do filme Mad Max (daqueles tatuados, com piercings, roupas rasgadas e descabelados). Mas existem outros sobreviventes dentro do território. Não menos violentos, eles vivem como se estivessem na idade média. Isso mesmo: cavalos, armaduras, espadas e castelos. Bom, parece uma bagunça e realmente é. Mas uma bagunça extremamente divertida, “organizada” por um dos grandes nomes do cinema de horror atual, o inglês Neil Marshall. A Europa filmes promete a exibição de “O Juízo Final” nas telas grandes ainda este ano. Se isto realmente acontecer, sirvam-se à vontade.

Conto # 2: Torpe

2008-02-10T08:27:00.000-08:00

Torpe

“O anonimato é a manifestação do ódio vilão.”
(Victor Hugo)

Um disparo rompeu o silêncio. O ar carregou-se de pólvora dificultando a respiração, impedindo-nos de sentir o cheiro adocicado de sangue. Ainda que efêmero, um prazer quase complacente açoitava-nos. Sem culpa. Sem remorsos. Um corpo desabou. Seu casaco verde gradualmente tornou-se rubro. Estatística para o governo. Manchete para os jornais.

Há alguns meses era apenas uma dúvida. Pequena. Talvez ele tivesse alguma razão. Sua luta poderia ser a minha. A nossa. Aos poucos essa dúvida cristalizou-se numa idéia. Não era justo. “Este é o nosso país”. Esta idéia começou a me torturar. Não me deixava dormir. Sorrateiramente transformou-se num ideal. Um ideal que foi convertido no sentimento que nos trouxe até aqui.

Gotas de chuva caíram formando pequenas poças. A água misturou-se ao sangue. Guardava a arma ainda quente quando ouvi alguns gemidos. Sussurros que imploravam. Com as mãos sufoquei suas últimas palavras.

Alguns estranharam quando raspei a cabeça. O visual era mais agressivo e demonstrava certa insatisfação com o rumo que as coisas tomavam. Na verdade todos estavam insatisfeitos. Mas poucos realmente ligavam. Terminara de ler um livro comprado no centro de São Paulo. Era um livro odiado, mais pelo seu autor do que pelo seu conteúdo. Este, poucos realmente conheciam. Era fascinante. Palavras escritas numa prisão há quase cem anos, mas que podiam nos guiar agora.

Não me incomodava o corpo daquele jovem ali no chão. Não me importava ter tirado a sua vida. Sentia-me mais forte agora. Um a menos. Uma cidade mais limpa. Se eu o conhecia? Não.

Tatuar uma cruz em meu braço não fora uma tarefa tão simples. E depois de feita, raramente podia exibi-la. Não que eu tivesse medo, pois nesta época já não andava mais sozinho.

Com tinta spray vermelha desenhamos uma cruz ao lado do corpo. A chuva cessara. Passageira. Provamos nossa superioridade com violência. Sabíamos que a violência era tão vulgar quanto essencial ao desenvolvimento do ser humano.

Olhei pela última vez o jovem morto com um tiro na nuca. Buscava em algum lugar um sentimento de arrependimento. Nada. Uma voz sussurrava em meus ouvidos: “é a seleção natural, é a evolução. O seu destino é selado por suas escolhas, ou pela cor de sua pele. Assim separamos os fortes dos fracos. Os que vivem dos que morrem”. Respirei fundo. Você sorria ali do meu lado. Um sorriso branco e satisfeito que aprovava nossa ação.

Resenha # 18: Floresta do Mal

2008-02-08T15:51:00.000-08:00

“U.S. – The Ultimate Survival”. Seis competidores. Seis dias. Apenas um sobrevivente. Numa floresta remota, um grupo de jovens disputa um prêmio em dinheiro num reality show que simula um mundo pós-apocalíptico. O terror torna-se real quando os participantes descobrem uma estranha família com hábitos alimentares um tanto quanto exóticos.

Em 2003, a PlayArte teve a idéia genial de distribuir “Wrong Turn” em terras tupiniquins com título de “Pânico na Floresta”. Pra que respeitar a idéia do título original, se podemos lançar o filme com um nome muito mais criativo? Quatro anos se passaram, uma continuação foi produzida e eis que a Fox (e não a PlayArte) adquire os direitos de distribuição de “Wrong Turn 2: Dead End”, no Brasil. Neste mesmo tempo, num golpe baixo e vingativo, a PlayArte lança a bomba “Timber Falls” como “Pânico na Floresta 2”, mesmo o filme não tendo nada haver com “Wrong Turn”. Numa picaretice à altura da concorrente, os responsáveis pelo setor “nome de filmes quando lançados por aqui” da Warner, batizaram “Wrong Turn 2” com o patético e originalíssimo título “Floresta do Mal”. Tomaremos a liberdade (mesmo que por um único parágrafo), de chamar Wrong Turn de “Caminho Errado” (não soa muito bem, mas se aproxima de sua tradução literal) e a sua continuação pelo subtítulo “Sem Saída” (Dead End).

Superando a falta de originalidade na escolha dos títulos em português pelas distribuidoras, vamos ao filme em si. “Floresta do Mal” (respeitando a escolha oficial), assim como seu antecessor “Pânico na Floresta”, não apresenta muita coisa de inovador. Apesar de não ser exatamente um filme ruim, temos a sensação de estarmos assistindo a uma versão genérica dos clássicos “Massacre da Serra Elétrica” e “Quadrilha de Sádicos”. Todas as peças estão lá: jovens desavisados e sem conteúdo caçados por canibais deformados num ambiente inóspito e isolado.

Entretanto “Floresta do Mal” começa muito bem, com uma seqüência um tanto promissora e violenta. Neste prólogo, a cantora, atriz e “American Idol”, Kimberly Caldwell dirige um belo Mustang conversível por uma estrada quase deserta. Pelo celular, ela discute distraidamente com seu empresário uma participação num reality show, quando, comprovando que não se deve jamais usar o telefone enquanto se está ao volante, atropela um desconhecido. Desesperada, a loira desce do carro e tenta prestar socorro à vítima (um rapaz cujo rosto parece deformado). Ao se aproximar do atropelado, Kimberly nota que ele parece engasgado e então tenta puxar sua língua. O rapaz acorda e num gesto furioso, arranca-lhe o lábio inferior com uma mordida. Ensangüentada e em pânico, Kimberly tenta fugir, mas acaba cara a cara com outro homem, que com uma única machadada a corta ao meio.

Esta seqüência é apenas uma pequena amostra do que nos reserva os 90 minutos seguintes. Muita violência explícita, machadadas, flechadas, tiros, facadas, membros decepados e pescoços degolados, entre outras inúmeras crueldades habituais nas produções do gênero. Os ótimos efeitos de maquiagem não deixam a desejar nos “deliciosos” excessos: são tripas, intestinos, dedos, e pedaços de gente suficientes para alimentar a família canibal por muito tempo.

Mas mesmo com estes bons efeitos e o “gore” exagerado, “Floresta do Mal” não chega a impressionar. Falta a produção aquele clima incômodo e indigesto característico as produções setentistas que lhe serviram de inspiração. Esta ausência de suspense deve-se em parte ao fraco desempenho dos atores.

O “dispensável” elenco, destinado a virar o jantar de uma família de malucos deformados canibais, é composto por Aleksa Palladino (que fez uma pequena participação em “O Chamado 2”), interpretando Mara, a namorada do idealizador do reality show (Matthew Currie Holmes, de “A Névoa”). Somam-se aos participantes do programa a linda vegetariana Nina (Erica Leerhsen, de “O Massacre da Serra Elétrica” refilmagem), a também linda Amber (Daniella Alonso, de “O Retorno dos Malditos”) e a safada Elena (Crystal Lowe, de “Premonição 3”). A trupe masculina é liderada pelo vocalista da Rollins Band, Henry Rollins (de “Banquete no Inferno”). Henry encarna o ex-combatente de guerra e mediador do programa. Completando o elenco estão os inexpressivos Texas Battle (“Premonição 3”) e Steve Braun (“Sociedade Secreta 3”), interpretando Jake Washington e o engraçadinho Jonesy.

O roteiro, que foi escrito pela dupla Turi Meyer e Al Septien, responsáveis por diversos episódios de “Smallville” e pelo fraco “Candyman 3: Dia dos Mortos”, se resume a simples tagline do filme: jovens sendo mortos um a um por uma família de canibais deformados. Uma variação da trama do primeiro longa (e de centena de outros), que apresenta ainda diversas situações idênticas as apresentadas no filme anterior, como a visita das heroínas a cabana dos canibais e o cemitério de automóveis. A própria idéia do reality show não é nova, pois já havia sido explorada por produções semelhantes como “O Olho Que Tudo Vê” e “Halloween: Ressurreição”. Uma única sacada divertida é a caracterização do personagem vivido por Henry Rollins, que em determinado momento se transforma numa espécie de Rambo, com direito a cara pintada e arco e flecha.

A direção ficou a cargo do estreante Joe Linch (grande promessa segundo o site americano “Gorezone”). Apesar de algumas tomadas de ângulos extravagantes, o resultado final é um tanto convencional.

Assim como o prólogo, algumas outras seqüências salvam o filme do fiasco, como o nauseante nascimento de um bebê deformado, e uma asquerosa cena de sexo entre irmãos canibais. Uma boa idéia também é a critica constante aos reality shows, mostrando a falta de caráter e personalidade dos participantes, assim como a manipulação dos acontecimentos (uma cena de sexo é programada entre os participantes, sem nada de natural). O filme também questiona, de forma menos explícita, a “hipocrisia cristã” em relação a alimentação, quando a família canibal faz uma oração, antes de devorar seu prato predileto.

Apesar de todas as obviedades de “Floresta do Mal”, o bom desempenho do DVD ao redor do mundo e algumas boas críticas tornaram viável a produção de uma nova continuação, prevista para 2008 com direção do mesmo Joe Linch. No Brasil, a versão em DVD, denominada “UNRATED” (sem censura), traz como material extra o making of, trilha de áudio com comentários e dois pequenos documentários chamados “Nas Locações com P-Nut” e
“Fazendo o Esquartejamento Ter Uma Boa Aparência”.

“Floresta do Mal”, na melhor das hipóteses, pode ser considerado uma boa homenagem aos primeiros trabalhos dos cineastas Wes Craven e Tobe Hooper. Esta homenagem (reciclagem ou plágio, como preferirem) fica evidente na seqüência do jantar, quando a “visita” se vê obrigada a provar o prato principal a base de carne humana (a ironia: ela é vegetariana). Algo muito próximo ao que foi visto em “O Massacre da Serra Elétrica”, de Hooper. Uma outra citação é a camiseta preta usada por M, com o logotipo “BR” (de “Battle Royalle”, produção japonesa que é indiscutivelmente o melhor filme focando reality shows já realizado).

Enfim, um terror mediano, indicado aos fãs de “gore” explícito e que não sejam muito exigentes quanto ao conteúdo. Estes são brindados com milhares de litros de sangue e toneladas de tripas.

Cotação:

Floresta do Mal (Wrong Turn 2: Dead End, EUA/Canadá, 2007).
Direção: Joe Lynch.
Roteiro: Turi Meyer e Al Septien.
Produção: Jeff Freilich.
Produção Executiva: Erik Feig.
Edição: Ed Marx.
Desenho de Produção: Brentan Harron.
Direção de Arte: Kirsten Franson.
Maquiagem: Angelina P. Cameron, Stan Edmonds, Vanessa Giles, Keith Lau e Shauna Magrath.
Figurino: Hisami Yamamoto.
Fotografia: Robin Loewen.
Música: Bear McCreary.
Elenco: Erica Leerhsen (Nina Papas), Henry Rollins (Dale Murphy), Texas Battle (Jake Washington), Daniella Alonso (Amber), Steve Braun (Jonesy), Aleksa Palladino (Mara), Crystal Lowe (Elena), Matthew Currie Holmes (M), Kimberly Caldwell (Kimberly), Ken Kirzinger (Pa), Wayne Robson (homem velho), Jeff Scrutton (Three-Finger), Clint Carleton (irmão), Rorelee Tio (irmã), Ashlea Earl (Ma), Cedric De Souza (Neil), John Stewart (Wojo) e Bro Gilbert (Chris).

Conto # 01: Afogadouro

2007-12-24T04:18:00.000-08:00

Depois de esgotadas as duas primeiras edições da coletânea de contos "Ódio" e um segundo projeto em andamento, estou disponibilizando abaixo um dos contos. Críticas são muito bem-vindas.

Afogadouro

"O ódio é o produto tanto das boas obras como das infames."
(Maquiavel)

Demorei um tempo para entender o que estava acontecendo. Não sentir as pernas era um mau sinal. Com muito esforço e uma dor quase insuportável, consegui mover os braços e limpar o sangue que cobria o meu rosto. Mesmo podendo enxergar, ainda não via a extensão dos meus problemas. Minha cabeça doía muito e pensar não era uma tarefa, digamos, muito fácil. Um gosto amargo de ferrugem me embrulhava o estômago. Bom sinal: ainda tinha estômago. E um pouco de humor. Estava no meu carro. E o meu mundo estava de pernas o para ar, literalmente.

Havia sofrido um acidente. E estava preso nas ferragens. E pelo pouco que podia ver, meu Golzinho velho estava tombado. Tentava buscar algum flashback que me explicasse o que realmente tinha acontecido. Tipo aqueles de Hollywood, em preto-e-branco. Mas nada passava nesta minha cabeça atordoada. Do lado de fora tudo o que eu via era mato e, bem ao longe, uma estrada. Meu coração começou então a bater mais forte. Tentei manter a calma. Pois acho que antes de morrer, o coração bate mais forte e depois pára. E eu não queria morrer. Tinha um bom motivo para isso, embora não lembrasse qual. A rodovia ao longe. Mato. Foi fácil deduzir: por algum motivo havia saído da estrada e capotado. E o carro caíra numa vala. Destas malditas que existem ao redor das estradas. Meu coração batia um pouco mais devagar, mas estável.

Estava com sede. Sinal de morte iminente? Não sei. Mas acho que a morte se torna uma obsessão quando se está todo arrebentado e preso nas ferragens de seu carro no meio do nada. Tentei mover as pernas (aquelas que eu não sentia), mas foi em vão. Acho que todo o meu sangue já havia descido até a cabeça, nesta hora. Minha avó falava que isso podia matar, mas ela era meio exagerada e a situação não era tão ruim. Era só esperar pelo resgate. No meio do nada.

Passaram-se alguns minutos. Algumas horas. Cheguei à conclusão de que o resgate não iria me encontrar tão facilmente. Eu estava longe da estrada. Era noite. E principalmente porque não passava um filha-da-puta sequer naquele fim de mundo. Bom, neste momento, o medo de morrer pelos ferimentos passou. O medo agora era morrer de fome, de sede ou de vontade de ir ao banheiro. Ou talvez de enlouquecer.

Foi aí que resolvi buscar outro flashback daqueles. Lembrar algo de bom que havia acontecido antes. Puta-que-o-pariu! Estiquei o braço, abri o porta-luvas e lá estava o bilhete premiado da loteria. Vários milhões. Carro novo (importado, lógico). Mulheres. Uma lancha. Mulheres. Viagens. Mulheres. Uma guitarra igual a que Hendrix tacou fogo em Woodstock! 4, 8, 15, 16, 23 e 42! Bom, agora eu tinha certeza. Eu não poderia morrer mesmo.

O tempo passava e nada. Minha boca estava totalmente seca. Comecei a ficar com muita sede. Foi aí que tive a idéia mais estúpida de minha vida: rezar. Sei que nunca acreditei muito nestas coisas, mas nesta situação, valia tudo. Pedi para Deus um copo de água. Sempre ouvi que um copo d’água não se nega a ninguém. Deus me respondeu rapidinho. Começou a chover. Algumas gotinhas. Algumas gotonas. Um puta temporal. Daí eu vi que a bosta tava feita. A vala começou a encher de água. E meu Golzinho também. Minha sede ia passar e eu ia morrer afogado!

Merda! Merda! Merda! Eu tinha que pensar rápido. Deus não era tão ruim assim e tinha me dado um pouco de inteligência. Foi dolorido, mas consegui fechar o vidro da janela. Reparei que faltava uma unha em um dos dedos. Rapidamente contei. Bom, pelo menos, os dez dedos estavam ali. Os da mão. Os do pé, infelizmente não podia ver. Sei que foi uma cagada capotar o carro e os vidros ainda estarem inteiros. Mas não era hora de questionar o meu destino. Ali estava eu: com sede, arrebentado, preso nas ferragens e com o carro sendo submerso pela água.

Tentei evitar pensamentos do tipo: o vidro pode estourar, a água invadir o interior do carro e eu morrer afogado e de ponta cabeça. Mas eu tinha um trunfo: eu era rico agora. E até onde eu sei os ricos sempre se dão bem. Podia então estar sonhando. Não haveria acidente nenhum. Não haveria dor, nem unha faltando, nem morte iminente. Seria um pesadelo e eu só precisava acordar. Mas merda! Se fosse um sonho eu também não teria ganhado na loteria. Estaria vivo, pobre e fodido.

Ainda chovia, mas o temporal tinha virado uma pequena garoa. Estava perdendo as esperanças quando vi uns faróis na estrada. Como não tinha aprendido a lição, resolvi rezar novamente. Deus mostrou sua eficiência e o carro, que já havia passado do ponto mais próximo ao meu acidente, deu meia-volta e encostou. Estava salvo. E rico. Daria um presente para meu salvador. Pelo menos 100 reais. A sede passou e tive a impressão do meu dedão do pé se mexer. Estava salvo, rico e com o dedão do pé!

Achei estranho quando o motorista saiu do carro carregando uma marreta. Foi neste instante que um flashback forçado sacudiu minha cabeça. Destes irritantes que num filme explicam o final surpresa para os espectadores mais burros. Eu não havia ganhado na loteria. Eu havia roubado o bilhete. Roubei de um nerd maldito do meu serviço. O cara nem gostava de mulher. Pra que iria querer tanta grana? Quando meus pensamentos ficaram coloridos de novo, ele já estava dentro da vala, com a água até o joelho, a boca espumando e uma marreta gigante nas mãos. Não sei por que entendi que ele não estava ali para me salvar. Foi só o tempo de ouvir o estouro na janela do meu lado. Em segundos a água invadiu o interior do carro. E lá estava eu: pobre e afogado.

Resenha # 13: Epidemia de Zumbis

2007-07-22T11:51:00.000-07:00

Sir James Forbes, médico e professor da Faculdade de Londres recebe uma carta desesperada de um ex-aluno, o Dr. Peter Tompson, pedindo ajuda para identificar e controlar uma extranha doença que matou várias pessoas em seu vilarejo. Sir James e Sylvia, sua filha, partem para Cornualha e acabam encontrado um terrível mistério: o corpo dos mortos pela extranha doença desapareceram. Magia negra, mortos-vivos e muito suspense ambientado na Europa do século XVIII.

Incursão da produtora Hammer no gênero "Zumbi" inspirada no clássico "Zumbi Branco" (White Zombie, de 1932, estrelado por Bela Lugosi). O último filme de horror a não sofrer influência do clássico absoluto "A Noite dos Mortos-vivos" de George Romero (Epidemia de Zumbis é de 1966 enquanto o filme de Romero é de 1968). Aqui os zumbis são resultados de magia negra e são na verdade escravos de um sinistro fidalgo. Impecável qualidade técnica somada a um bom roteiro resultando numa das melhores produções da Hammer. Lançado em DVD no Brasil pela Works.

Cotação:

Epídemia de Zumbis (The Plague of the Zombies, 1966, Inglaterra)

Direção: John Gilling.
Roteiro: Peter Bryan.
Produção: Anthony Nelson-Keys.
Música: James Bernard.
Figurino: Melissa Toth.
Direção de Arte: Don Mingaye.
Edição: Chris Barnes.
Duração: 90 min.
Distribuíção: Em pela Works Editora.

Resenha # 17: Zombie - Despertar dos Mortos

2007-06-29T16:00:00.000-07:00

Anne Bowles e um reporter partem em direção a uma ilha tropical à procura do pai, desaparecido misteriosamente. Quando chegam no local se deparam com mortos-vivos sedentos de carne humana.

Os vários Títulos da Obra-Prima de Fulci

"Zombie - Despertar dos Mortos" (1978), o segundo filme da série clássica de zumbis de George Romero, foi lançado por Dario Argento na Itália como "Zombi". Como picaretagem não é exclusividade das distribuidoras brasileiras, os italianos aproveitaram o sucesso comercial do filme de Romero e lançaram o longa de Fulci como "Zombi 2", sugerindo que a trama fosse uma sequência. "Zombi 2" acabou sendo o título adotado em toda a Europa. Já nos Estados Unidos o título escolhido foi "Zombie Flesh Eaters". "Zumbi 2 - A Volta dos Mortos", foi o título adotado no Brasil quando o filme foi lançado em VHS na década de 80. Recentemente, a obra-prima de Fulci foi lançada em DVD por aqui pela Works, recebendo o título definitivo de "Zombie - A Volta dos Mortos".

Fulci - O Mestre

A decisão oportunista de determinar um título que fizesse referência a uma sequência de "Despertar dos Mortos" acabou colocando o filme de Fulci em segundo plano. "Zombie - A Volta dos Mortos", permaneceu, durante muito tempo, com a fama de cópia barata de "Despertar...", como uma sequência inferior do filme de George Romero. Felizmente, o longa, foi aos poucos redescoberto e valorizado pelos fãs do cinema de horror e hoje é considerado um clássico unânime.

O diretor italiano Lucio Fulci é considerado um novo mestre no genêro, podendo ser comparado a Argento ou mesmo Romero. Sua extensa carreira como diretor inclui, além do horror, filmes de ficção científica e comédias. Mas foi no terror que sua filmografia arrebatou uma legião de fãs. Entre 1980 e 1981, Fulci filmou sua enigmática trilogia dos infernos, com "Pavor na Cidade dos Zumbis" (Paura nella città dei morti viventi), "A Casa do Além" (The Beyond/E tu vivrai nel terrore) e "A Casa do Cemitério" (Quella Villa Accanto al Cimitero). Em 1982 realizou sua versão para Jack, o estripador em "O Estripador de Nova Iorque". Infelizmente Lucio Fulci faleceu em 1996.

"Zombie - A Volta dos Mortos" é um filme realizado com poucos recursos, considerados pela crítica, trash, e pelos amantes do terror, uma obra-prima. Ficou famoso pelas sequências violentas e por introduzir mortos-vivos putrefatos, com vermes saindo de suas entranhas, levantando de suas covas. Até então, nem os zumbis de Romero eram apresentados em decomposição. E duas sequências tornaram-se antológicas por sua beleza plástica. Em uma delas, um morto-vivo se degladia com um tubarão. A sequência é plasticamente muito bonita e a trilha sonora composta por Fabio Frizzi e Giorgio Tucci a torna mais onírica ainda, por mais absurda que parece a premissa de um zumbi versus tubarão. Em outra, mais apocalíptica, uma legião de mortos-vivos marcham em direção a Nova York.

O mais incrível, é que apesar do orçamento limitado, o realismo impresso nas cenas de violência é impressionante, ainda mais quando lembramos que ainda não existia cgi na época. Fulci, como muito dos cineastas italianos, ficou famoso pela violência gráfica e desenfreada, sem pudor ou qualquer procupação com censura ou em agradar ao público. O resultado, uma obra única e estilizada.

O Elenco e o Roteiro

O elenco é composto por atores praticamente desconhecidos e a fraca atuação destes não interfere na qualidade final do filme. O elenco principal é mesmo a legião de mortos-vivos, estes sim, esbanjam talento, atingindo a todos os estômagos, até aos mais calejados. O visual decomposto dos zumbis passou a ser usual nos próximos filmes do genêro, inclusive no terceiro filme da saga de Romero, "O Dia dos Mortos". Antes de "Zombie", os mortos-vivos eram apresentados apenas como pessoas comuns, cambaleando e com o rosto azul ou branco. A maquiagem tornou-se muito mais sofisticada após o filme de Fulci.

A trama, assim como nos filmes da saga de Romero, não explica a origem dos zumbis. Em alguns momentos, os nativos da ilha onde a história se desenvolve falam em vodu, mas a teoria não é confirmada em nenhum momento. O roteiro é simples e se desenvolve linearmente sem nenhuma reviravolta. Algumas questões permanecem inexplicadas e rendem alguma discussão, porém a falta de criatividade no roteiro é compensada pela violência explícita.

Diversas pseudo-continuações foram lançadas nos anos que se seguiram. O próprio Fulci se juntou ao também italiano Bruno Mattei na direção do terrível "Zombi 3" em 1988. Pra variar, não é continuação e só tem em comum com "Zombie" os mortos-vivos. "Zombie 4 - After Death" e "Zombie 5 - Killing Birds" também são falsas continuações (o primeiro na verdade chama-se "After Death", e foi realizado em 1988, no mesmo ano de "Zombi 3"), e "Killing Birds" foi realizado em 1987 (um ano antes de "Zombi 3"). Dá pra acreditar em tanta picaretagem??

Enfim, "Zombie - A Volta dos Mortos" é uma obra única imitada a exaustão nos anos 80. Não é um filme cabeça, mas é belo, violento e divertido.

Cotação:

Zombie - A Volta dos Mortos (Zombie, Itália, 1979)

Direção: Lucio Fulci.
Roteiro: Dardano Sacchetti e Elisa Briganti.
Produção: Fabrizio De Angelis e Ugo Tucci.
Música: Fabio Frizzi e Giorgio Tucci.
Fotografia: Sergio Salvati.
Edição: Vincenzo Tomassi.
Efeitos Especiais: Giovanni Corridori, Gino De Rossi e Roberto Pace.
Figurino: Giannetto De Rossi, Mirella De Rossi, Maurizio Trani e Rosario Prestopino.
Elenco: Tisa Farrow (Anne Bowles), Ian McCulloch (Peter West), Richard Johnson (Dr. David Menard), Al Cliver (Brian Hull), Auretta Gay (Susan Barrett), Stefania D'Amario (Missey, a enfermeira) e Olga Karlatos (Paola Menard).
Duração: 91 mins.
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 16: O Caçador de Bruxas

2007-06-16T07:04:00.000-07:00

Em 1645 a Inglaterra vive o caos de uma guerra civil. Não há ordem e os juízes locais governam a mão e ferro. É neste cenário que viveu Matthew Hopkins (Vincent Price), um cruel e violento auto-intitulado caçador de bruxas. Inocentes eram torturadas e pagavam com a morte por seu supostos envolvimentos com bruxaria. Quando a jovem Sarah é presa sob a acusação de bruxaria, seu namorado, o soldado Richard Marshall parte atrás de Hopkins em busca de vingança.

O que torna este longa mais interessante é o fato do personagem Matthew Hopkins ter realmente existido. Hopkins cometeu as maiores atrocidades durante o reinado de Oliver Cromwell, na Inglaterra puritana do século XVII. Torturava e executava inocentes por supostos envolvimentos com feitiçaria.

Um dos pontos altos desta produção é a ótima fotografia, com locações em Norfolk e Sulfolk, belas pastagens contrastando com a violência e a intolerância proposital de Hopkins. O elenco é encabeçado pelo sempre ótimo Vincent Price, num dos melhores papéis de sua carreira.

É o terceiro filme do diretor Michael Reeves, que viria a se suicidar algum tempo depois, aos 26 anos. Reeves dirigira anteriormente "Revenge of Bloody Beast" (com Barbara Steele) e "Sob o Poder da Maldade" (com Boris Karloff). O Edgar Allan Poe do título em inglês nada mais é do que oportunismo desnecessário da distribuidora. Os filmes de Roger Corman, baseado em obras de Poe, faziam muito sucesso na época. Porém não existe nenhuma ligação entre o longa e o poema "Conqueror Worm", de Poe.

O filme foi lançado em DVD no Brasil pela Works Editora, como parte integrante da coleção lançada nas bancas Darkside DVD (que lançou anteriormente vários títulos da produtora inglesa Hammer). Para ter na prateleira e curtir.

Cotação:

O Caçador de Bruxas (Edgar Allan Poe's Conqueror Worm, 1968, EUA)

Direção: Michael Reeves.
Roteiro: Michael Reeves e Tom Baker baseado num poema de Edgar Allan Poe e no livro “Witchfinder General" de Ronald Basset.
Produção: Tony Tenser e Louis M. Heyward.
Música: Paul Ferris.
Direção de Arte: Jim Morahan.
Edição: Howard Lanning.
Elenco: Vincent Price (Matthew Hopkins ), Ian Ogilvy (Richard Marshall), Rupert Davies (John Lowes), Hilary Heath (Sarah Lowes), Robert Russell (John Stearne), Nicky Henson (Trooper Robert Swallow), Tony Selby (Tom Salter), Bernard Kay (Fisherman), Michael Beint (Capt. Gordon) e Godfrey James (Webb).
Duração: 87 min.

Resenha # 15: Bubba Ho-Tep

2007-05-27T19:35:00.000-07:00

Elvis Presley (Bruce Campbell) e o presidente John F. Kennedy (Ossie Davis) não morreram. Estão bem vivos, morando numa casa de repouso perdida no leste do Texas. Elvis estava cansado da fama e da vida fútil, então decidiu trocar de lugar com um imitador enquanto JFK, tornou-se negro e teve sua morte encenada pelo seu sucessor, o presidente Lyndon Johnson. Será verdade ou serão apenas dois velhos malucos? E pra complicar uma múmia devoradora de almas caminha pelos corredores escuros da casa de repouso, atrás de presas fáceis. Agora os dois velhotes vão provar que independente de quem são, lutarão como heróis pela sobrevivência de seus amigos e deles próprios.

Bubba Ho-Tep é uma das produções independentes mais festejadas dos últimos anos. Dirigido por Don Coscarelli (da série de filmes "Fantasma"), o longa agrada pelo ótimo roteiro, uma mistura de horror, aventura e comédia. O próprio Don Coscarelli adaptou brilhantemente o conto de Joe R. Lansdale. Com Bubba Ho-Tep, Coscarelli e Bruce Campbell provam que estão em excelente fase, provavelmente o melhor trabalho dos dois, pelo menos até agora. Campbell, já conhecido pelos fãs por trabalhos na cultuada série "Evil Dead", faz uma interpretação memorável de Elvis, encarnando um Rei do Rock humano e arrependido dos erros cometidos na juventude, e que encontra forças para se redimir enfrentando o ser maligno que se esconde nos porões do asilo.

O filme transcende os gêneros horror ou humor, sendo diversas vezes tocante, apresentando dois personagens esquecidos e abandonados num asilo, fato comum na vida real. Bubba Ho-Tep abocanhou vários prêmios nos diversos festivais de cinema fantástico dos quais participou ao redor do mundo e já pode ser considerado "cult", por ser um dos filmes mais bacanas lançados nos últimos tempos.

Cotação:

Bubba Ho-Tep (Bubba Ho-Tep, 2002, EUA)

Direção: Don Coscarelli.
Roteiro: Don Coscarelli baseado no conto de Joe R. Lansdale.
Produção: Don Coscarelli e Jason R. Savage.
Música: Brian Tyler.
Desenho de Produção: Vicent Peranio.
Direção de Arte: Justin Zaharczuk.
Edição: Scott J. Gill e Donald Milne.
Elenco: Bruce Campbell (Elvis ), Ossie Davis (Jack), Reggie Bannister (Erika), Bob Ivy (Tristen), Ella Joyce (A enfermeira), Heidi Marnhout (Callie), Larry Pennell (Kemosabe) e Harrison Young (Bull Thomas).
Distribuição: Inédito no Brasil.

Resenha # 14: O Homem de Palha

2007-05-19T11:27:00.000-07:00

O oficial da polícia escocesa Howie viaja para a remota ilha de Summersisle com a missão de investigar a denúncia do desaparecimento de uma criança. Na ilha, todos o tratam friamente e negam a existência de tal garota. Quanto mais investiga, mais confuso fica Howie. A ilha parece ser uma comunidade pagã, onde adoram-se diversos deuses e prega-se o amor livre. Howie desconfia que um crime possa ter sido cometido na ilha, e suas investigações o levam a um confronto com o líder espiritual da ilha, Lord Summerisle.

O diretor Robin Hardy conseguiu, com “O Homem de Palha”, ultrapassar o limite do horror pragmático do começo da década de setenta, quando ainda reinavam os últimos vampiros da lendária Hammer. E embora a recepção do público e da crítica tenha sido um tanto quanto fria na época de seu tumultuado lançamento, o longa acabou redescoberto com o passar dos anos e atraiu gradualmente o que se tornaria uma verdadeira legião de fãs.

“O Homem de Palha” é um filme de terror pouco convencional. Sem sangue e sem mortes. A deslumbrante concepção visual é o ponto forte do longa, que capricha no visual onírico e perturbador. A personagem central explora um universo desconhecido e bizarro, que se opõe completamente a sua educação conservadora e religiosa. Este embate de crenças, entre o cristianismo e o paganismo, é o conflito em que se centra a trama. A sexualidade, oprimida pelas religiões cristãs, é explícita desde os primeiros momentos do filme. A insinuação sexual, e as cenas de nus femininos, que parecem desnecessárias e oportunistas a princípio, tornam-se apenas mais um fator de estranheza, num cenário lírico e cheio de símbolos. A trama, que começa despretensiosa, evolui de forma surpreendente de policial para o verdadeiro horror. A atmosfera, a sensação crescente de solidão e deslocamento da personagem central, transporta o espectador para o universo pagão do filme. O inevitável e inesperado final surge como um anticlímax perturbador e nada convencional.
A curiosa trilha sonora, composta por Paul Giovanni, inclui verdadeiras canções celtas de exaltação a fertilidade feminina. Mais um ingrediente na atmosfera lúgubre do filme.

O elenco é encabeçado pelo aristocrático Edward Woodward, que interpreta o Sargento Howie, um íntegro e religioso oficial da polícia escocesa. O lendário Christopher Lee, imortalizado como o Conde Drácula, interpreta magistralmente o líder religioso e político Lord Summerisle.

Considerado por muitos críticos uma obra-prima do moderno cinema de horror, “O Homem de Palha” permanece ousado e provocativo. É essencial para todo amante da sétima arte, principalmente diante do oportunista remake de 2006 protagonizado por Nicolas Cage (chamado de "O Sacrifício").

Cotação:

O Homem de Palha (The Wicker Man, 1974, Inglaterra)

Direção: Robin Hardy.
Roteiro: Anthony Shaffer.
Produção: Peter Snell.
Fotografia: Harry Waxman.
Maquiagem: Billy Partleton.
Música: Paul Giovanni.
Edição: Eric Boyd-Perkins.
Elenco: Christopher Lee (Lord Summerisle), Edward Woodward (Sargento Howie), Britt Ekland (Willow), Ingrid Pitt (Bibliotecária), Diane Cilento (Srta. Rose), Lindsay Kemp (Alder MacGregor), Russell Waters (Mestre do Porto), Aubrey Morris (Coveiro), Irene Sunters (May Morrison), Geraldine Cowper (Rowan Morrison) e Donald Eccles (T. H. Lennox).
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 12:. A Festa do Monstro Maluco

2007-05-14T20:30:00.000-07:00

O Barão e cientista Boris von Frankenstein, líder da Organização Mundial dos Monstros, acaba de fazer a maior descoberta de sua carreira como vilão. Uma fórmula secreta capaz de destruir qualquer matéria. Após o grande feito, o Barão decide se aposentar enquanto está no auge. Ele reúne, em uma festa em sua ilha particular, uma galera um tanto quanto esquisita. Entre os convidados estão o Conde Drácula, o Lobisomem, Dr. Jekyll e Sr. Hyde, a Múmia, o Homem Invisível, o Corcunda de Notre Dame, o Monstro da Lagoa Negra, a Criatura de Frankenstein e sua Noiva. Durante a reunião, o Barão decide anunciar seu sobrinho, o jovem e ingênuo Felix Flankin, como seu sucessor. Mas a galera do mal arma um plano para acabar com o herdeiro do cientista, roubar sua fórmula secreta e tomar o posto de líder dos monstros.

"A Festa do Monstro Maluco" é com certeza um dos mais cultuados longametragens de animação de bonecos (tudo bem, não existem tantos assim, mas isso não retira seu status de cult). Presença obrigatória nas Sessões da Tarde da década de 70, influenciou diretamente e indiretamente, entre outros, cineastas como Tim Burton ( "O Estranho Mundo de Jack" e "A Noiva Cadáver"). Uma pequena jóia da história do cinema, filmado em stop-motion (também batizado de animagic), "A Festa do Monstro Maluco" foi realizado por uma trupe da pesada: a direção ficou a cargo de Jules Bass (que dirigiu outro cult do stop-motion, "Rudolph, a Rena do Nariz Vermelho"), o roteiro é de Harvey Kurtzman (criador da revista Mad), os personagens foram desenhados por Jack Davis (entre seus trabalhos estão a Mad e a Tales from the Crypt), os posters e anúncios da divulgação foram ilustrados por Frank Frazetta e a voz do Barão Von Frankenstein foi dublada por nada menos do que o lendário Bóris Karloff (em um de seus últimos trabalhos).

O filme em si, é uma deliciosa mistura de comédia, terror e musical. A trilha sonora é composta de jazz e rock. Num desses momentos inesquecíveis, uma simpática banda de esqueletos toca uma divertida canção chamada "Mummy" (em "A Noiva Cadáver" há uma sequência muito parecida). Enfim, altamente indicado para crianças e para nós, crianças crescidas.

Cotação:

A Festa do Monstro Maluco (Mad Monster Party, 1967, EUA)

Direção: Jules Bass.
Roteiro: Len Korobkin, Harvey Kurtzman e Arthur Rankin Jr..
Produção: Joseph E. Levine, Arthur Rankin Jr. e Larry Roemer.
Fotografia e Animação: Tad Mochinaga.
Coreógrafo: "Killer Joe" Piro.
Desenho dos personagens: Jack Davis.
Música: Maury Laws.
Edição: Tad Mochinaga.
Elenco: Boris Karloff (Barão Boris von Frankenstein, voz), Allen Swift (Felix Flankin/Yetch/Dracula/Invisible Man/Dr. Jekyll/Sr. Hyde, vozes) e Gale Garnett (Francesca, voz).
Duração: 94 mins.
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 11: A Seita

2007-04-27T21:04:00.000-07:00

O corpo mutilado de uma garotinha é encontrado num tonel de água. Os laudos da perícia concluem que a criança é a filha desaparecida de Claudia. Cinco anos depois, Claudia recebe uma ligação desesperada de uma jovem dizendo ser sua filha. Ela se une então ao poilicial responsável pelo caso de sua filha na época do crime. Juntos se envolvem numa perigosa investigação, que os leva ao encontro de uma seita chamada "Os Sem-nome".

O diretor e roteirista espanhol Jaume Balagueró é o também responsável pelo thriller "A Sétima Vítima" (Darkness, 2002). Tanto "A Seita" quanto "A Sétima Vitíma" abordam de forma interessante o tema "seitas diabólicas".

Em "A Seita", o próprio Balagueró constrói o brilhante roteiro, adaptado da história original de Ramsey Campbell. No desenrolar da trama as informações são dosadas e nem tudo é explicado, instigando sempre a imaginação do expectador, diferentemente do cinema norte-americano, onde tudo é explicado diversas vezes, como se o público fosse estúpido e ignorante (desculpem, mas não resisti em fazer tal comentário). Além dos diálogos bem trabalhados e algumas sequências de violência explícita (só para ilustrar, imagine um mamilo arrancado com um alicate), o final desconcertante e pessimista é o grande ápice de "A Seita".

Vencedor de dezenas de premiações ao redor do mundo, entre eles o grande prêmio de fantasia européia no FESTIVAL INTERNACIONAL DA CATALUNHA (além do prêmio de atriz para Emma Vilarasau e fotografia para Xavi Giménez), melhor filme estrangeiro no FESTIVAL DE CINEMA FANT-ASIA, melhor filme no FANTAFESTIVAL, prêmio de direção e crítica no FANTASPORTO e de filme no FESTIVAL DE CINEMA FANTÁSTICO DE BRUXELAS.

Indo novamente contra os padrões ianques, a ausência de ação em "A Seita", infelizmente acaba sendo o ponto de desagrado para a maioria do público não familiarizado com as produções européias. Mas o roteiro bem desenvolvido, o elenco dedicado e competente e a direção segura de Jaume Balagueró garantem "A Seita" um status grande filme, ainda que ignorado pelo grande público e pela crítica "mainstream".

Com "A Seita" e "A Sétima Vítima", Jaume Balagueró junta-se a Alejandro Amenábar ("Tesis", "Abra Los Ojos" e "Os Outros") e Álex de la Iglesia ("O Dia da Besta" e "A Comunidade"), como princípais representantes da boa safra de novos diretores espanhois dedicados ao fenêro fantástico.

cotação

A Seita (Los Sin Nombre, The Nameless, 1999, Espanha)

Direção: Jaume Balagueró.
Roteiro: Jaume Balagueró baseado na obra de Ramsey Campbell.
Produção: Jaume Balagueró, Carlos Fernández, Julio Fernández e Joan Ginard. Fotografia: Albert Carreras Xavi Giménez.
Edição: Luis De La Madrid.
Música: Carles Cases.
Direção de Arte: Matías Tikas.
Elenco: Emma Vilarasau (Claudia Horts de Gifford), Karra Elejalde (Bruno Massera), Tristán Ulloa (Quiroga), Toni Sevilla (Franco), Brendan Price (Marc Gifford), Jordi Dauder (Patologista), Núria Cano (Policial), Isabel Ampudia (Secretária) e Pep Tosar (Toni).
Duração: 102 mins.
Distribuição: Em DVD pela LK- Tel Vídeo.

Resenha # 10: Noite de Pânico/Sozinho no Escuro

2007-03-31T06:24:00.000-07:00

Acompanhar o cotidiano de perigosos internos faz parte da rotina do psiquiatra Dr. Potter em seu novo emprego. Profetas, lunáticos, assassinos, estupradores estão trancados no último andar do hospital estadual para doentes mentais. Toda a segurança do local é eletrônica, todas as portas e janelas são ativadas (abrem ou fecham) por um dispositivo inteligente. Entre os pacientes mais perigosos do setor estão Frank (Jack Palance), o Pastor Byron (Martin Landau) e Ronald (Lidth), um molestador de crianças. O diretor do hospital é Dr. Bain (Donald Pleasence), um homem pacato e respeitado pelos internos.

O pesadelo, para Dr. Potter e sua família começa quando os internos, liderados pelo violento Frank, começam a suspeitar que Potter assassinou o antigo psiquiatra (o que fica claro, desde o princípio, não passar de "loucura"). A situação fica realmente preta ("piadinha infame") quando um black-out deixa toda a região sem energia elétrica. Com a falta da eletricidade, o equipamento de segurança do hospital entra em pane e diversos internos escapam. Inclusive os perigosos Frank, Pastor Byron e Ronald, que planejam uma terrível vingança contra o Dr. Potter, quem eles julgam ser um assassino. É apenas o começo de uma noite de pânico.

"Noite de Pânico", foi o título usado pela distribuidora na época do VHS. Lançado em DVD recentemente pela Works, "Alone in the Dark" recebeu um título que é a tradução literal de seu original: "Sozinho no Escuro" (não confundir com o terrível "Alone in the Dark", de Uwe Boll). Dirigido por Jack Sholder, de "A Hora do Pesadelo 2" e "The Hiden - O Escondido", "Sozinho no Escuro" passou despercebido pela década de 80. A direção de Sholder é convencional, mas competente. O elenco é o ponto forte do filme. Afiadíssimo, ele consegue reunir astros como Jack Palance (interpretou o Conde em "Drácula", de Dan Curtis), Martin Landau (que interpretou Bela Lugosi em "Ed Wood", de Tim Burton) e Donald Pleasence (o persistente Dr. Loomis, da série "Halloween"). Conta ainda com Dwight Schultz, como Dr. Dan Potter. Como? Não se lembram de Dwight? É, é ele mesmo. O Capitão Murdock, da série "Esquadrão Classe A" (ok, nem todo mundo tem mais de trinta).

Por fim, "Sozinho no Escuro" é um grande filme desconhecido, não só pelo elenco, mas também pelo roteiro, que em determinado momento lembra "A Noite dos Mortos Vivos" de Romero. Todos os loucos estão lá fora. E estão sedentos por sangue.

cotação:

Noite de Pânico/Sozinho no Escuro (Alone in the Dark, 1982, EUA)

Direção: Jack Sholder.
Roteiro: Jack Sholder, Robert Shaye e Michael Harrpster.
Produção: Benni Korzen, Sara Risher e Robert Shaye.
Fotografia: Joseph Mangine.
Música: Renato Serio.
Edição: Arline Garson.
Elenco: Jack Palance (Frank Hawkes), Donald Pleasence (Dr. Leo Bain), Martin Landau (Pastor Byron Sutcliff), Dwight Schultz (Dr. Dan Potter), Erland van Lidth (Ronald "Gordo" Elster), Deborah Hedwall (Nell Potter), Lee Taylor-Allan (Toni Potter), Phillip Clark (Tom Smith), Elizabeth Ward (Lyla Potter) e Brent Jennings (Ray Curtis).
Duração: 92 mins.
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 09: A Companhia dos Lobos

2007-03-02T17:11:00.000-08:00

A adolescente Rosaleen é atormentada por pesadelos envolvendo lobisomens. Numa viagem sobrenatural a um mundo de fantasia, a jovem vai encarar um destino cruel e inevitável.

“Uma menina, uma história para dormir. O cenário familiar da infância. E contida nos lobos estão as forças do mal que irão triunfar sem um final feliz. Mas este não é um conto de fadas. É aqui que a lenda termina e começa a sobrevivência, mas os sonhos infantis não prometem o final feliz. A criança não é um adulto e o lobo não é humano. Este é o mundo sombrio que há entre as páginas dos contos de fadas. Negá-lo é matar a criança que existe na alma. Entrar nele é matar os sonhos de infância. A Companhia dos Lobos é a companhia que temos, mesmo em nossos sonhos.”

Uma jornada visual e onírica, cheio de simbolismo. Um dos melhores filmes de horror/fantasia da década de oitenta. Com roteiro inspirado na fábula Chapeuzinho Vermelho, o longa narra de forma simbólica os desejos, a culpa e as dúvidas surgidas na adolescência. Pesadelos e realidade se misturam, sempre tendo como ponto em comum os lobisomens. Seriam estes lobos, que rasgam os peitos dos homens e "devoram" garotinhas, o "sexo"? O filme é aberto a diversas interpretações e cada detalhe tem um significado, o vermelho do sangue é o mesmo vermelho do "desejo"? Neil Jordan (de "Entrevista com Vampiros") realiza seu primeiro e melhor filme, que abocanhou prêmios merecidos por todo canto do mundo onde foi exibido. Os cenários ("Companhia dos Lobos" foi quase todo filmado em estúdio) são deslumbrantes, a trilha sonora é marcante, o roteiro original, o elenco talentoso conta com a presença de Stephen Rea, o ator preferido de Jordan e ainda a aparição de Terence Stamp no papel do Diabo. Um exercício para a mente e para os olhos.

cotação

A Companhia dos Lobos (The Company of Wolves, 1984, Inglaterra)
Direção: Neil Jordan.
Roteiro: Neil Jordan, baseado no conto "Chapeuzinho Vermelho", de Angela Carter.
Produção: Chris Brown.
Música: George Fenton.
Direção de Fotografia: Bryan Loftus.
Figurino: Elizabeth Waller.
Edição: Rodney Holland.
Elenco: Sarah Patterson (Rosaleen), Angela Lansbury (Granny), David Warner (Pai), Graham Crowden (Padre), Georgia Slowe (Alice), Kathryn Pogson (Noiva), Stephen Rea (Noivo), Tusse Silberg (Mãe), Terence Stamp (Diabo) e Micha Bergese (Caçador).
Distribuição: Em DVD pela Flashstar Filmes.

Resenha # 08: Banquete de Sangue

2007-01-25T16:44:00.000-08:00

Numa tradução literal para o português, o verbo “to slash” significa cortar ou ferir. Já os chamados “slasher movies” são filmes que possuem algumas características distintas. Não exatamente como regra, mas sim como traços comuns aos slashers, estão os roteiros toscos, atores canastrões, nudez gratuita e, é claro, sangue e tripas pra todo lado. Exemplos famosos deste respeitado gênero cinematográfico são as intermináveis séries “Sexta-Feira 13” e “Halloween”.

Retrocedendo quase meio século, buscamos a origem dos “slashers”. No exato ano de 1960, o realizador japonês Nobuo Nakagaw concebeu “Jigoku” (Hell). Filme extremamente cruel, recheado de torturas e de todo tipo de atrocidades. Na trama, dois amigos acabam no inferno depois de atropelarem um bêbado. Embora ousasse ser explicitamente violento, faltava a “Jigoku” a despretensão do “slasher”.

“Banquete de Sangue” (Blood Feast) foi dirigido apenas três anos depois pelo publicitário americano Herchell Gordon Lewis. A produção é paupérrima, a atuação do elenco é amadora, a trilha sonora é terrível e o roteiro é repleto de falhas. Mas há sangue, muito sangue. E se não há garotas completamente nuas, lá estão elas apenas de roupas íntimas (detalhe para as “minúsculas” calcinhas). Ironias à parte, “Banquete de Sangue” foi um sucesso, apesar de filmado em apenas nove dias com um orçamento limitadíssimo de 25 mil dólares, acabou faturando mais de 4 milhões apenas nos Estados Unidos. Pela despretensão, repercussão e polêmica, “Banquete de Sangue” é considerado por muitos o primeiro “Slasher Movie” do cinema, embora o longa de Nobuo Nakagaw fosse mais violento e explicito, além de produzido alguns anos antes.

Uma bela jovem é assassinada dentro de uma banheira, com uma facada no olho. Sua perna é amputada. A seqüência toda é mostrada em detalhes. Assim começa “Banquete de Sangue”, impiedoso e sem remorsos. Não há suspense ou segredo quanto à autoria dos crimes, já que a identidade do assassino é revelada ainda nos primeiros minutos do filme. Seu nome é Fuad Ramsés, dono de um buffet de comida exótica e adorador da deusa egípcia Ishtar. Seu plano é usar “partes” das garotas assassinadas num macabro ritual de ressurreição.

“Banquete de Sangue”, apesar de ser indiscutivelmente um filme ruim, é um divisor de águas no cinema de horror. A violência nos filmes, que antes era apenas sugerida, agora era exibida e em cores vivas. O diretor Herchell Gordon Lewis inicialmente investiu em uma carreira totalmente dedicada aos filmes de horror de baixo orçamento. Ainda nos anos 60 realizou "2000 Maníacos" (recentemente refilmado com o ator Robert Englund como protagonista) e “Color Me Blood Red” (ambos de1964), “The Gruesome Twosome” (66), “A Taste of Blood” (67), “The Wizard of Gore” (68) e “The Gore-Gore Girls” (71). A mesma fórmula, violência explícita, mutilações, decapitações, vísceras e uma grande diversidade de agressões foi usada por Lewis em todas estas produções, o que acabou lhe rendendo o título de Pai do Gore.

E todo o êxito de “Banquete de Sangue” é mérito de H. G. Lewis, pois é responsável, além da direção, pelos efeitos, pela idéia original, produção, fotografia e a insuportável trilha sonora.

Quase 40 anos depois, contrariando a regra, Lewis dirigiu uma seqüência superior ao original chamada “Blood Feast 2: All Us Can Eat”. O primeiro filme chegou a ser em lançado em VHS no Brasil pela extinta Sunrise, mas continuam ambos inéditos em DVD. Em 1989 foi realizada ainda uma péssima refilmagem chamada "Um Jantar Sangrento" (Blood Diner).

Depois de quatro décadas de “slasher movies”, “Banquete de Sangue” cristalizou-se como fundador deste sub-gênero e serve hoje, muito mais como um documento histórico do que exatamente diversão.

Cotação

Banquete de Sangue (Blood Feast, 1963, EUA)
Direção: Herchell Gordon Lewis.
Roteiro: Allison Louise Downe.
Produção: Herchell Gordon Lewis.
Fotografia: Herchell Gordon Lewis.
Edição: Frank Romolo e Robert Sinise.
Música: Herchell Gordon Lewis.
Elenco: William Kerwin (Det. Pete Thornton), Mal Arnold (Fuad Ramsés), Connie Mason (Suzette Fremont), Lyn Bolton (Sra Dorothy Fremont) e Scott H. Hall (Capitão de Polícia).
Distribuição: Inédito em DVD.

Resenha # 07: Aniversário Macabro

2007-01-11T15:56:00.000-08:00

No dia em que completaria 17 anos, a jovem Mari Collingwood e uma amiga acabam nas mãos de perversos fugitivos. Enquanto seus pais preparam uma festa de aniversário surpresa, Mari e sua amiga são violentadas e mortas. No dia seguinte os assassinos pedem abrigo na casa dos pais de sua vítima. Os criminosos não suspeitam do terrível destino que os aguarda.

Produzido por Sean S. Cunningham (o criador da cinessérie "Sexta-Feira 13") e dirigido por Wes Craven (idealizador do personagem "Freddy Krueger" e da série "Pânico"), "The Last House on the Left", que foi chamado de "Aniversário Macabro" no Brasil, é um dos filmes mais controversos do cinema, por apresentar cenas de grande violência e nudez que chocaram o público e a crítica da época. Foi diversas vezes cortado e restaurado pela censura norte-americana, ficando ainda assim proibida a sua exibição em vários países durante muitos anos.

O roteiro de Ingmar Bergman para "A Fonte e a Donzela" (vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro de 1959) é transportado para o começo dos anos 70. Após a indigesta derrota no Vietnã, a geração hippie "Paz e Amor" aos poucos é substituída por uma nova geração, que vive a ressaca de drogas pesadas usadas pelos pais e está a mercê da violência gratuita. É este clima de selvageria e insegurança que é retratado em "Aniversário Macabro". A violência narrada no filme é nua e crua, sem a estilização gráfica dos filmes atuais, o que torna o filme muito mais indigesto e incômodo. As jovens Mari e sua amiga são torturadas e violentadas num clima de crueldade quase insuportável até a metade do filme. Na segunda metade o desejo pela vingança é compartilhado com o expectador, na punição extrema imposta pelos pais de Mari aos algozes da filha.

"Aniversário Macabro" é o primeiro trabalho de Wes Craven, que dirigiria pelo menos mais um filme "nestes moldes" antes de escolher o caminho mais comercial (e mais lucrativo): "Quadrilhas de Sádicos" (recentemente refilmado como “Viagem Maldita”), que conta a história de uma família que se perde num deserto e é atacada por canibais.

É, "the dream is over".

Cotação:

Aniversário Macabro (The Last House on the Left, 1972, EUA)
Direção: Wes Craven.
Roteiro: Wes Craven. Produção: Sean S. Cunningham.
Fotografia: Victor Hurwitz.
Edição: Wes Craven.
Música: David Hess.
Figurino: Susan E. Cunningham.
Elenco: Sandra Cassel (Mari Collingwood), Lucy Grantham (Phyllis Stone), David Hess (Krug Stillo), Fred J. Lincoln (Fred Lincoln), Jeramie Rain (Sadie), Marc Sheffler (Junior Stillo), Gaylord St. James (Dr. John Collingwood) e Cynthia Carr (Estelle Collingwood).
Duração: 84 min.
Distribuição: Em VHS pela Argovídeo.

Resenha # 06: O Monstro da Lagoa Negra

2006-12-23T12:15:00.000-08:00

Um arqueólogo descobre, na região Amazônica, uma pata fossilizada que seria de um animal extinto (uma espécie desconhecida de anfíbio). Concluindo que esta poderia ser uma grande descoberta, reúne outros cientistas numa nova expedição a fim de encontrar o resto do fóssil. Após uma investigação descobrem que os restos do fóssil estão depositados nas profundezas da Lagoa Negra (um lago de águas escuras praticamente intocado pelo ser humano). Acabam penetrando então no habitat de uma estranha criatura que reage com violência, ferindo e matando os integrantes do grupo de pesquisadores.

"No começo, Deus criou o céu e a terra, e a terra era vazia e sem forma. Veio então o planeta Terra, recém nascido e esfriando rapidamente de uma temperatura de 6000 graus a umas poucas centenas em menos de cinco bilhões de anos. O calor se eleva, encontra a atmosfera, formam-se as nuvens e a chuva desaba sobre a endurecida superfície por séculos sem conta. Surge o mar revolto, encontra obstáculos, é contido, começa o mistério da vida. Aparecem coisas vivas em infinita variedade e se transformam e atingem a terra, deixando o registro de sua vinda, de sua luta para sobreviver e de seu fim eventual. O registro da vida é escrito na terra onde 50 milhões de anos depois, no âmago da região do Amazonas, o homem ainda tenta decifrá-lo."

Estas são as palavras introduzem este belo clássico da Universal (produtora responsável pelas primeiras adaptações dos monstros mais famosos do cinema, como "Frankenstein", "A Noiva de Frankenstein", "Drácula" e "Lobisomem" entre outros). "O Monstro da Lagoa Negra" rendeu ainda outras duas boas seqüências "A Revolta do Monstro", em 1955 e "The Creature Walks Among Us", em 1956.

Tecnicamente, conta com a eficiente direção de Jack Arnold, que já tinha em seu currículum outras obras que marcaram o cinema Sci-Fi/Horror na década de 50 ("Veio do Espaço" (It Came From Outer Space, em 1953) e "O Incrível Homem Que Encolheu" (The Incredible Shrinking Man, em 1957)), atuação competente (incluindo a bela Kay, interpretada por Julia Adams) e ótima trilha sonora composta por William E. Snyder. Outro ponto marcante são as ótimas e bem filmadas sequências embaixo da água

Cientistas gringos ganânciosos invadindo nossa Amazônia perturbando a paz de um ser milenar. A premissa parece atual e o filme soa como um alerta ecológico em pleno anos 50. Destaque para a seqüência maravilhosa em que a bela Kay atira um cigarro na lagoa. Enquanto o cigarro afunda, a Criatura observa perplexa seu habitat sendo poluído. É fácil e óbvio concluir que o verdadeiro monstro é, quase sempre, o ser humano.

Cotação:

O Monstro da Lagoa Negra (Creature from the Black Lagoon, 1954, EUA)
Direção: Jack Arnold.
Roteiro: Harry Essex & Arthur Ross, baseado em história de Maurice Zimm.
Elenco: Richard Denning (Mark Williams), Richard Carlson (David Reed), Julia Adams (Kay), Antonio Moreno (Carl Maia), Nestor Paiva (Lucas), Whit Bissell (Dr. Thompson), Bernie Gozier (Leo), Henry Escalante (Chico) Produção: William Alland.
Música: William E. Snyder.
Direção de Arte: Bernard Herzbrun & Hilyard Brown.
Edição: Ted J. Kent.
Distribuição: Em DVD pela Universal Home Video.

Resenha # 05: Mortos Que Matam

2006-12-17T16:35:00.000-08:00

O temor de que vírus ou bactérias desconhecidas venham a dizimar a raça humana não é um pesadelo tão recente assim. Esta sombria perspectiva já era retratada na clássica novela de Richard Matheson em 1954. Em “I am a Legend”, uma estranha epidemia devasta o planeta. As pessoas contaminadas retornam depois de mortas, em forma de vampiros-zumbis. A trama foi adaptada para o cinema pela primeira vez em 1964 (“The Last Man on Earth”) e refilmado apenas sete anos depois como “The Omega Man”, recebendo o dramático título em português “A Última Esperança da Terra” e contando com o astro Charlton Heston no papel principal. Uma nova releitura da obra de Matheson será lançada em 2007, com Will Smith no papel do protagonista. A direção ficará a cargo de Francis Lawrence (de "Constantine") e o elenco ainda contará com o ator Johnny Depp.

Em “Mortos que Matam”, Vincent Price vive Robert Morgan, um cientista que acredita ser o único sobrevivente de uma catástrofe que praticamente eliminou os humanos da face da Terra. Os infectados retornam da morte como criaturas com características vampirescas: caminham apenas quando o sol se põe, temem alho e espelhos. Morgan age como um caçador de vampiros, durante o dia as persegue e as elimina, cravando estaca em seus corações. Durante a noite se refugia em casa, protegendo as portas com réstias de alho e espelhos.

O baixo orçamento da produção é compensado pela atuação sempre convincente do astro Vincent Price (o eterno e “Abominável Dr. Phibes”). O roteiro peca, por não explorar o suficiente a “reviravolta” da trama escrita por Matheson, mas não chega a comprometer o resultado final.

É impossível, após assistir “Mortos que Matam”, não deixar de lado a idéia “teimosa” de afirmar que todos os filmes de zumbis do mundo foram totalmente influenciados pela “Noite dos Mortos Vivos” de Romero. Romero, sim, foi influenciado pela obra de Matheson.

Cotação:

Mortos que Matam (The Last Man on Earth, EUA/Itália, 1964)
Direção: Sidney Salkow; Ubaldo Ragona
Roteiro: Logan Swanson e William P. Leicester
Produção: Robert L. Lippert.
Música: Paul Sawtell e Bert Shefter
Fotografia: Franco Della Colli.
Direção de Arte: Giorgio Giovannini.
Maquiagem: Piero Mecacci.
Edição: Gene Ruggiero; Franca Silvi.
Elenco: Vincent Price (Robert Morgan), Franco Bettoia (Ruth Collins), Emma Danieli (Virginia Morgan), Giacomo Rossi-Stuart (Ben Cortman), Umberto Rau; Christi Courtland (Kathy Morgan); Antonio Corevi; Ettore Ribotta.
Distribuição: Em DVD pela Multimedia Group.

Resenha # 04: Expresso do Horror

2006-12-16T04:59:00.000-08:00

Durante uma expedição arqueológica à Manchúria, realizada no início do século passado, o professor inglês Alexander Saxton (Christopher Lee) descobre numa caverna um ser meio homem, meio macaco, congelado há mais de dois milhões de anos. O fóssil está perfeitamente preservado e pode revolucionar toda a ciência, tornando Saxton extremamente famoso.

Alexander Saxton resolve transportar o fóssil até a Europa através do trem Trans-Siberiano. No trem ele encontra outro cientista, o curioso Dr. Wells (Peter Cushing). Assim começa a terrível viagem. Após se descongelar e fugir do baú onde estava preso, o humanóide começa a fazer diversas vitímas no trem. Os dois cientistas se unem tentando compreender e destruir a estranha criatura, cujos assassinatos parecem esconder um propósito bem maior.

"Expresso do Horror" é uma delirante e divertida co-produção entre a Espanha e a Inglaterra orquestrada pelo hispânico Eugenio Martín. O longa, como uma legítima produção B, contou com um orçamento minúsculo (todo usado nos salários dos atores), cenários de segunda-mão e um roteiro pra lá de maluco, que mistura terror e ficção científica.

O elenco conta com Peter Cushing e Christopher Lee, que repetem a parceria de sucesso realizada nas produções da Hammer da década de 60. Mas a grande surpresa no elenco é a participação do ator Telly "Kojak" Savalas, interpretando o maluco Capitão Kazan, num dos momentos mais divertidos do filme.

Não é nenhuma obra-prima e nem se tornou cult, porém é um clássico absoluto das madrugadas da televisão aberta brasileira, onde foi exibido a exaustão nos idos anos 80. E é toda a despretensão e criatividade do filme que o torna delicioso, bem-humorado e interessante.

Cotação:

Expresso do Horror (Horror Express, 1973, Inglaterra/Espanha)
Direção: Eugenio Martin.
Roteiro: Arnaud d'Usseau e Julian Zimet.
Produção: Bernard Gordon.
Fotografia: Alejandro Ulloa.
Música: John Cacavas.
Edição: Robert C. Dearberg.
Direção de Arte: Dana Andreianu.
Elenco: Christopher Lee (Professor Alexander Saxton), Peter Cushing (Dr. Wells), Alberto de Mendoza (Padre Pujardov), Silvia Tortosa (Condessa Irina Petrovska), Julio Peña (Inspetor Mirov), Ángel del Pozo (Yevtushenko), Helga Liné (Natasha), Alice Reinheart (Srta. Jones) e Telly Savalas (Capitão Kazan).
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 03: Black Sabath: As Três Máscaras do Terror

2006-12-15T02:38:00.000-08:00

Sir Ozzy Osbourne nunca viu este filme. Mas numa bela tarde dos psicodélicos anos sessenta, notou um cartaz publicitário de "I Tre volti della paura", ou "Black Sabath", como seria chamado na Terra da Rainha. Neste cartaz, Bela Lugosi cavalga alucinado, carregando uma cabeça decepada. "- Se eles ganham dinheiro fazendo filmes que assustam as pessoas, nós ganharemos fazendo músicas que assustam as pessoas!". Então Ozzy mudou o nome de sua banda de Earth para Black Sabath. Formava-se então uma das maiores bandas de rock de todos os tempos.

“Black Sabath: As Três Mácaras do Terror” é uma coleção de três contos que se tornaram clássicos do cinema de horror. O primeiro, "O Telefone" (The Telephone) conta a história de uma bela mulher que é ameaçada de morte pelo telefone. No episódio seguinte, "O Wordulak" (The Wordulak), uma família aguarda o retorno do patriarca, que enfim volta ao lar, porém contaminado por um vampiro. No último episódio, chamado "A Gota d'água" (The Drop of Water), o fantasma de uma condessa retorna do além para cobrar um anel roubado durante o preparativo para seu funeral.

O cinema de horror italiano revisitou o genêro, ao construir na década de 60, as diretrizes de um universo repleto de sofisticação visual, forjado em cores berrantes e ambientado em uma atmosfera barroca regada pelo sobrenatural e pelas forças ocultas. Mario Bava foi o grande expoente deste movimento. Mais do que isso, Bava desenhou a evolução deste movimento, que resultaria no Giallo. "Amarelo" (Giallo em italiano), é uma espécie de thriller que derivou dos livretos de suspense cujas capas eram amarelas (assim como o cinema Noir, preto em francês, vem dos livros policiais cujas capas eram negras). Nos Giallo de Bava e Dario Argento alguns elementos se tornaram marca registrada, como o assassino em série mascarado, sempre impiedoso, qual vemos apenas seus passos e suas mãos armada com instrumentos cortantes. "O Telefone" é um genuíno Giallo. Repleto de detalhes, que sufocam o expectador, assim como sufoca a vítima, uma bela prostituta chamada Rosi. Um enredo simples, que se resume a uma noite em que a jovem recebe várias ligações a ameaçado de morte. Com medo de ficar só, Rosi convida sua ex-amante Mary para dormir em sua casa. A trama culmina num terrível assassinato. Ciúmes, líbido e morte. O expectador mais atento pode notar ainda uma influência direta deste conto na seqüência inicial do horror teen de Wes Craven, Pânico.

A brilhante união entre dois monstros sagrados do cinema de horror, Boris Karloff e Mario Bava, resultou no segundo conto, "O Wurdulak". Este é o mais longo dos segmentos. É uma história de vampiros, onde Gorka (Karloff), um camponês russo é transformado em um Wurdulak (um tipo de vampiro que suga apenas o sangue das pessoas que ama) e ameaça toda sua família. A fotografia repleta de cores vivas, as sombras e formas "expressionistas", a direção de arte e os cenários, tudo perfeitamente entrelaçado numa verdadeira obra-prima de horror. Tudo isso ainda estrelado pelo veterano Karloff. Destaque para a sinistra sequência em que o "garotinho", já transformado, grita pela mãe.

A trama do último segmento bem poderia ser o roteiro de um filme de terror Japonês. A premissa é simples, um espírito se vinga de uma enfermeira que lhe roubou uma jóia. "A Gota d'água", apesar da simplicidade do roteiro, é o mais aterrorizante dos contos. Todo detalhe, inclusive o sufocante som da "gota d'água", a mosca, somam pra materializar todo o medo sentido pela enfermeira Maria. Outra pequena obra-prima, que apenas comprova a maestria e o brilhantismo de Bava.

São três contos, "três máscaras do terror". A primeira máscara, em "O Telefone" é a sexualidade, que acaba motivando a violência e o assassinato. A segunda, em "O Wurdulak", é a família corrompida por um membro contaminado. A terceira máscara, em "A Gota d'água" é a loucura, a perda da capacidade de distinguir o real do pesadelo.

A versão de "Black Sabbath: As três Máscaras do Terror" lançada pela Works aqui no Brasil é a original, italiana. Os distribuidores americanos, na época em que o filme foi lançado nos E.U.A., inverteram a ordem dos contos, mudaram a trilha sonora, deceparam o filme conseguindo transformar uma obra-prima em um filme medíocre (parecem que são experts nisso, não?).

Cotação:

Black Sabath: As Três Máscaras do Terror (Black Sabbath, 1963, Itália)
Direção: Mario Bava.
Roteiro: Alberto Bevilacqua e Marcello Fondato.
Produção: Salvatore Billitteri.
Fotografia: Ubaldo Terzano.
Edição: Mario Serandrei.
Música: Roberto Nicolosi.
Direção de Arte: Giorgio Giovannini.
Cenografia: Riccardo Domenici.
Figurino: Trini Grani.
Maquiagem: Otello Fava.
Edição de Som: Kay Rose.
Elenco: Episódio "The Telephone": Michèle Mercier (Rosy) e Lidia Alfonsi (Mary). Episódio "The Wurdalak": Boris Karloff (Gorca), Mark Damon (Vladimire d'Urfe), Susy Andersen (Sdenka), Massimo Righi (Pietro) e Glauco Onorato (Giorgio). Episódio "The Drop of Water": Rika Dialina (Maria), Jacqueline Pierreux (Helen Chester), Gustavo De Nardo (Inspetor de Polícia) e Harriet Medin (Empregada de Helen Chester's).
Distribuição: Em DVD pela Works.

Resenha # 02: As Sete Faces do Dr Lao

2006-12-12T14:23:00.000-08:00

Presença certa na memória dos que viveram sua infância nos anos 80, "As Sete Faces do Dr. Lao" é um filme destes que não se fazem mais. Ou talvez destes que se fazem com o passar dos anos. Exibido uma dezena de vezes na Sessão da Tarde, "As Sete Faces do Dr. Lao" é tão enigmático quanto elementar. Inicialmente destinado ao público infantil, o filme, assim como a personagem "Dr Lao", se desdobra, podendo ser apreciado, tanto pelas crianças quantos pelos adultos, principalmente os mais saudosistas.

Produzido numa época em que os computadores ainda eram objetos de ficção científica (o filme é de 63), "Dr Lao" é um brinde visual, cujo os efeitos em stop motion lhe renderam a indicação ao Oscar de Efeitos Especiais em 1964. A fábula começa quando "Dr. Lao", um simpático chinês de 7322 anos chega à cidade de Abalone, no Arizona. Dr. Lao avisa a todos que está chegando também à cidade o seu circo, com atrações únicas, nunca antes vistas. Entretanto o povo da cidade parece cético e ter outras preocupações, como a do "inescrupuloso" rancheiro Clint Stark, que deseja comprar todas as casas da cidade. Mas o que acontece nos dias seguintes acaba mudando o destino de todos. Nas apresentações do circo, sem que ninguém sequer desconfie, o mágico chinês se multiplica em personagens pra lá de curiosos: o bruxo Merlin, o vidente Apolônio de Tiana, o deus da diversão Pan, a mitológica Medusa, uma cobra falante e o Abominável Homem das Neves.

O circo do Dr. Lao é, na verdade, uma espécie de espelho, onde são refletidos os valores e sentimentos escondidos das pessoas que o visitam.

"O mundo inteiro é um circo
se você souber olhar para ele.
Como o sol se põe quando você está cansado
e nasce quando você levanta.
Isso é mágica de verdade.
O modo como uma folha cresce.
O canto dos pássaros.
Como o deserto fica à noite,
quando a luz da lua o envolve.
Oh, meu garoto...
isto é circo bastante para qualquer um.
Sempre que você vê um arco-íris
e seu coração se maravilha com isso.
Sempre que você pega um punhado de areia,
e não vê areia, mas sim um mistério,
uma maravilha em sua mão.
Toda vez que você pára e pensa:
Estou vivo, e estar vivo é fantástico!
Sempre que algo assim acontece,
você é parte do Circo do Dr. Lao."

(Dr. Lao, se justificando para um garotinho que pede para trabalhar no circo)

Baseado no livro de Charle G. Finney, dirigido por George Pal , que já tinha em seu currículum "A Máquina do Tempo" e interpretado por astros como Tony Randall (num papel que inicialmente teria sido oferecido a Peter Sellers) e Barbara Edem (a imortal "Jeannie é um Gênio") no papel da mocinha, "As Sete Faces do Dr. Lao" continua (e continuará) cativante e encantador, infelizmente ainda inédito no mercado nacional de DVDs.

Cotação:

As 7 Faces of Dr. Lao (7 Faces of Dr Lao, EUA, 1964)
Direção: George Pal.
Roteiro: Charles Beaumont, baseado em livro de Charles G. Finney.
Música: Leigh Harline.
Fotografia: Robert J. Bronner.
Direção de Arte: George W. Davis e Gabriel Scognamillo.
Edição: George Tomasini.
Elenco: Tony Randall (Dr. Lao / Merlin / Pan / Abominável Homem da Neve / Medusa / Serpente gigante / Apolônio de Tiana / Integrante do público), Barbara Eden (Angela Benedict), Arthur O'Connell (Clint Stark) e John Ericson (Ed Cunningham).
Distribuição: Inédito em DVD.

Resenha # 01: População 436

2006-12-10T07:50:00.000-08:00

Pequenas e bucólicas cidades do interior são sempre cenários perfeitos para grandes segredos. Em Rockwell Falls não é diferente. Lá as pessoas são felizes, não há violência ou crimes. Entretanto toda esta aparente tranqüilidade é posto à prova quando o agente do senso Steve Kady (Jeremy Sisto, do seriado "Sete Palmos") chega até o local. A principio todos são amigáveis e hospitaleiros, inclusive o policial Bobby Caine (Fred Durst, o vocalista da banda Limp Bizkitz). Entretanto, ao entrevistar a população, Kady começa a desconfiar que algo esteja fora do lugar. Seu temor toma forma, quando, ao examinar os documentos da cidade, descobre que há 100 anos a população se mantém em 436 habitantes. Esta estranha anormalidade, aliada a superstição local de que todos os que deixam a cidade morrem vão tornar a vida de Kady um pesadelo.

Produção visivelmente de baixo-orçamento, mas que se revela uma boa opção. Não há exageros ou violência, mas o roteiro bem amarrado compensa todas as deficiências, inclusive as do elenco. A atuação do protagonista, interpretado por Jeremy Sisto, parece amadora em determinadas seqüências. Entretanto, uma pequena e inesperada surpresa é a atuação do vocalista Fred Durst, que não compromete e em certos momentos até impressiona.

O roteiro, que incorpora idéias de clássicos como "O Homem de Palha" (recentemente refilmado como "O Sacrifício") e do mais recente "A Vila", de Shyamalan, é assinado pelo estreante Michael Kingston. Aliás, a direção é da também estreante Michelle Maxwell (seus trabalhos anteriores se resumiam a episódios de séries de TV, como "Arquivo X" e "Without a Trace").

A versão em DVD lançada no Brasil traz, além de trailers de outros filmes de terror a serem lançados pela distribuidora, um final alternativo, onde o destino do protagonista é o oposto do escolhido oficialmente.

Na soma final dos pontos e contrapontos, "População 436" acaba se tornando uma boa opção. Principalmente nestes tempos sombrios, em que o mercado cinematográfico é bombardeado por refilmagens e continuações.

A parceria entre os astros do rock and roll e cinema renderam alguns grandes filmes, como o gótico “Fome de Viver”, onde o camaleão David Bowie vive um vampiro que tem que encarar seu trágico destino, quando deixa de ser imortal. Entretanto, o resultado nem sempre é tão empolgante. O vovô Alice Cooper já protagonizou seu verdadeiro trash em “Monster Dog”, do diretor italiano Cláudio Fragasso (parceiro de Lucio Fulcci na empreitada “Zombi 3”). Já Dee Snider, vocalista do Twisted Sisters, contracenou com Robert Englund (o imortal Freddy Krueger) no fraco “Mórbido Silêncio” em 1998. Joey Ramone deu o ar na graça na comédia de humor negro “Final Rinse”, onde um serial-killer escalpelava cabeludos (principalmente os rockeiros). A vocalista do Blondie, Deborah Harry participa do escatológico “Videodrome”, de David Cronemberg. E não podemos esquecer do rock star (?) John Bon Jovi, de “Vampiros: os Mortos”, seqüência do filme de Carpenter. E por aí vai.

cotação:

População 436 (Population 436, EUA/Canadá, 2006)
Direção: Michelle Maxwell Mclaren.
Roteiro: Michael Kingston.
Elenco: David Ames (Ronald Greaver), Leigh Enns (Kathy Most), Susan Kelso (Enfermeira Greaver), Rick Skene (Ray Jacobs), Fred Durst (Bobby Caine), David Fox (Dr. Harold James Greaver), Peter Jordan (Minister Hiller), Charlotte Sullivan (Courtney Lovett), R.H. Thomson (Xerife Colcutt), Frank Adamson (Mayor Grateman), Reva Timbers (Amanda Jacobs), Monica Parker (Belma) e Jeremy Sisto (Steve Kady).
Distribuíção:em DVD no Brasil pela Sony Pictures.